今天小编来为大家解答趣味历史小知识头像这个问题，关于浮雕涉及的历史知识有哪些很多人还不知道，现在让我们一起来看看吧！
邮票知识（一）邮票图案：指邮票票面，一般由与邮票发行目的相关的图案、国名、面值、说明文字及边饰等组成。世界各国的早期邮票图案都比较简单。随着社会的发展，当今世界各国都把自已国家在政治、经济、国防、科学技术、文化艺术、历史地理、自然风光及珍贵的动物、植物等方面最有代表性的内容作为邮票图案。全世界已经发行30多万种邮票，图案的内容包罗万象。集邮者通过收集研究邮票图案能获得丰富的百科知识。因此，邮票图案是集邮者研究的主要对象。
（二）邮票上的国名：指印在邮票票面上的国空或地区的名称。一般都以文字、缩写字母来表示国名。如：日本邮便、中国人民邮政。美国采用缩写字母USA、苏联采用缩写字母CCCP来表示国名。还有些国家用特殊符号来表示，如英国早期邮票采用英王头像作标志。英国现行的纪念邮票印有英女王头像以代替国名。识别邮票上的国名，可以了解有关国家的地理、历史、语言文字等方面的知识。
（三）邮票面值：指印在邮票票面上的邮资金额及货币单位。世界各国大多以表示邮票面值的阿拉伯数字和本国货币单位组成邮票面值。如美国普通信函邮资为22美分，邮票面值即由阿拉伯数字22和C分组成。中国人民邮政普通信函邮资为8分，邮票面值由阿拉伯数字8和分组成。也有一些国家发行无面值邮票，如军用邮票、公事邮票等。我国1938年晋察冀边区发行的抗战军人纪念邮票和1943年淮南区发行的“平”、“机”、“快”及“稿”字邮票都属于无面值免资邮票。美国自1978年至1985年间陆续发行一组无面值邮票，票面上印有“A”“B”“C”“D”字样，分别代表面值15、18、20、22美分。这是因为美国邮政部门要市调整信函邮资，但在印制邮票时，新的信函邮资未最后确定，不能往邮票上印新面值；但若在邮资确定后再印，邮票又无法供应。因此，才发行这种无面值的代字邮票。研究邮票面值可以了解一个国家币值变化的情况。
（四）邮票上的齿孔：为了方便邮票的撕开，在整张邮票的各枚之间用打孔器打出孔洞，分撕后，单枚邮票边缘凹进的半圆形部分称孔，凸出的部分称齿，合称为齿孔。英国黑便士邮票问世时没有齿孔，使用起来很不方便，必须用剪刀一枚一枚剪开。直到1854年英国才出现打齿孔的邮票。根据齿孔的形态，齿孔分为：光齿、毛齿、盲齿和漏齿。光齿：是在邮票打孔后，齿孔中的圆形纸屑完全脱落，孔洞边缘光洁，称光齿。毛齿：齿孔中纸屑未完全脱落，孔洞边缘不光洁，呈毛状，称毛齿。盲齿：在邮票打孔后，只有印痕，齿孔中的纸屑没有脱落，孔未通透，称盲齿。漏齿：应该打孔而漏打齿孔的，称漏齿。齿孔度数，是表示齿孔的量度，测量方法是把邮票放在量齿尺上，看在2厘米的长度内有几个齿和几个孔。如一枚邮票有12个齿和12个孔，那么这枚邮票的齿孔度数就是12度；如有11个齿和12个孔，那么这枚邮票就是11 1/2度。测量齿孔度数的方法是法国集邮家勒格拉于1866年提出的，一直沿用至今。测量齿孔度数是研究邮票的一项内容，也是鉴别邮票真伪和区分不同版次的重要依据之一。我国邮票的齿孔大多数是11度、11 1/2度、12 1/2度和14度。
（五）邮票的版铭：在整张邮票纸边上印有邮票编号、版号、张号、色标、设计者和印刷厂名等，统称版铭。版铭是研究邮票的重要资料，因此，很多集邮者都喜欢收集带版铭的邮票。如：我国1981后4月29日发行的J63《中华人民共和国邮票展览.日本》邮票，在整张纸边上印有鸡、金鱼、风筝、天坛、蝴蝶等各种图案以及印有邮票名称、设计者、印刷厂名、版号、张号、色标等等。这些版铭被集邮家看作是重要的集邮资料。有的邮学家说，这是印刷厂送给集邮者的礼物，是研究邮票版式和邮票印刷的重要依据。
（六）邮票上的水印：邮票是预付邮资的凭证。为了防止伪造，在造纸过程中，用特殊方法加压在纸里的一种标记，称水印。水印是一种无色标志，多为简单图案。在一整张邮票上，只有一个水印图案叫全张水印。水印图案在全张邮票中重复出现叫复式水印，水印的图案多种多样，如皇冠、太阳、月亮、太极图等等。英国于1840年5月6日发行的黑便士邮票上就是以皇冠为图案的水印。1885年我国大清邮政发行的小龙邮票和1898年发行的蟋龙邮票是以太极图为图案的水印。邮票上的水印很容易识别，在阳光或灯光下仔细看邮票背面就能发现。对不太明显的水印，可在邮票背面略喷一点汽油，水印立即会呈现出来。汽油挥发快，对邮票和背胶并无损害，有经验的集邮家一般都采用这种办法识别邮票上的水印。水印是研究和鉴定邮票真伪以及版别、发行年代的重要依据。
（七）邮票上的志号：新中国成立后，中国人民邮政发行的纪念邮票和特种邮票，在票面底部印有邮票发行序号和年代，称志号。如1952年7月7日发行的，《抗日战争十五周年纪念》邮票，在邮票底部左边印有“纪16.4—1”“纪16”表示这套邮票是纪念邮票的第16套；“4—1”表示这套邮票有4枚，这是第一枚。邮票底部右边印有“（78）1952”，（78）表示管枚邮票在纪念邮票里的总编号，“1952”是这套邮票的印制年代。我国首次便使用“纪”字头发行邮票，是从1949年10月8日的纪1《庆祝中国人民政治协商会议第一届全体会议》开始，到1967年3月10日纪124《向32111英雄钻井队学习》邮票止。其间共发行“纪”字头的纪念邮票124套。特种邮票的表示方法与纪念邮票相同，只是将“纪”字改训“特”字。从1967年4月至1970年1月发行的邮票取消了这种志号。从1970年8月至1973年10月发行的邮票，在邮票底部左边又印上新编的连续号，右边印有印制个代。例如，《现代京剧（智取威虎山）》邮票底部左边的“（1）”，是连续编号，“1970”是印制年份。从1974年开始，邮票编号又使用“J”表示纪念邮票，“T”表示特种邮票。例如，1974年5月15日发行的《万国邮政联盟成立一百周年纪念》邮票。底部左边印有“J1（3—1）”，“J”表示纪念邮票，“1”是第一套。（3—1）表示这套邮票共3枚，这是其中第一枚。邮票底部右边印有“1974”是印制年份。邮票志号是新中国邮票上特有的标志。这种志号对收集邮票很方便，不必查看邮票目录就能了解每枚邮票的印制年份、全套枚数、总编号。
（八）邮票品相：集邮的人都非常讲究邮票品相。所谓邮票品相，就是邮票的相貌。衡量一枚邮票的品相有以下几点：新票：票面完整，没有破损，没有折痕，图案端正，颜色鲜艳，不褪色变色；齿孔完整，不缺角；背胶完好。旧票：票面完好，不揭薄，邮戳清晰，邮戳销于邮票一角（约占票面的1/4左右），这样的邮票为上品；邮戳轻印不损害票面美观为中品；邮戳重油影响图案美观为下品；如果是研究邮戳，以全戳为好，要能看见邮戳上的地名、年、月、日、时。这主要由收藏的目的来定。在收集邮票时要注意邮票品相，不要用手抓取邮。用手抓取邮票易折角断齿。手上有汗，接触邮票会使票面失去原来的光泽。要使用镊子。集邮用的镊子尖端扁平、圆滑、无绣、松紧适度。邮票品相好坏，是相对而言的。一般的邮票容易得到，就可以挑选。凡是图案相同的，可以比较一下品相好坏，尽量把品相次的剔出去，把好的收藏起来。如果一枚邮票极为难得，能收藏一枚已经很珍贵了，对品相则不必苛求。倘若非品相好者不取，那么，就很难如愿以偿了。常见的邮票品相不佳有以下几种：（1）破损在撕邮票时，用力过猛，把邮票边缘撕破（在分撕邮票时，按照齿孔多折几次，用力要均匀，不宜过猛）。（2）折痕在用镊子夹取邮票时，用力不均，造成折痕。信销票的折痕大多数是因为贴票时或在信件传递过程中受折而出现的（一般的软折痕用水浸泡后重新压平，可以消除）。（3）齿孔不全齿孔短缺，有部分漏齿、缺齿、断齿。（4）揭薄在揭取邮票时，由于浸泡不透，造成票背纸质受伤变薄或揭成两层。（5）擦伤信件在邮递过程中，邮票画面被磨损。（6）霉点邮票受潮或背胶变质引起发霉，形成霉点或黑色斑点。（7）墨渍墨水或墨汁被弄到邮票上（把食盐放在热水里，将邮票浸泡一下，墨渍会褪去）。（8）油墨过浓盖戳时油墨过浓，使邮票图案弄得模糊不清。（9）指纹用手拿取邮票时，手指上的油渍或汗液弄脏了画面。（10）褪色邮票长时间受灯光或太阳光照射，使原刷色褪色或变色（注意邮票不宜长时间被强光照射）。为了保持邮票清洁、完好、美观，对以上容易损伤邮票品相的可能性要防止。●邮票类型1.普通邮票：在我国邮票目录中，专门列有一种常用的邮票，称为普通邮票，它是使用最多的一种邮票。面值由大到小，应有尽有，图案变换较少，用完之后可再版加印。普通邮票的特点是票幅小，面值种类多，使用时间长。
2.纪念邮票：纪念邮票是为纪念国内外重大事件或纪念著名从物而发行的一种邮票。纪念邮票思想性强，大多以纪念的事件和人物为主图，有时还印有纪念邮票的名称。纪念邮票的特点是票幅大，印制精美，发行数量较少。
3.特种邮票：我国特种邮票是为宣传某些有特殊意义的事物而发行的一种邮票。
4.航空邮票：航空邮票是专为邮寄航空信件而贴用的邮票。
5.欠资邮票：欠资邮票是寄信人在寄信时未贴邮票或者未足邮票，邮局发现后加贴的补收邮资的凭证，由收件人缴纳邮费。这种欠资邮票邮局不出售，也不具有预付邮资的效力。
6.军用邮票：军用邮票是专门为军人寄信贴用的邮票。
7.附捐邮票：国家为社会公共事业筹集基金而发行的附加捐资邮票，也叫福利邮票或慈善邮票。这种邮票既用于邮政通信，又用来为福利事业筹款。附捐邮票与普通邮票的区别是除邮票面值外，另加捐资，捐资部分用于福利事业。
8.无面值邮票：在奇异的邮票世界里，还有一种没有面值的邮票，称无面值邮票。
9.加盖邮票：在邮票或非邮票上加盖面值或文字，当作一种新邮票使用的，叫做加盖邮票。
10.无齿孔邮票：在英国发行世界第一枚黑便士邮票后的几十年中，各国发行的邮票都没有齿孔。自1854年打孔机出现后，各国才开始发行有齿孔的邮票。到20世纪中期前后，虽然各国普遍拥有打孔设备，但有些国家为了增加集邮品种，也发行一些无齿孔邮票。
11.快信邮票：快信邮票也叫快递邮票，是用于快递邮件上的邮票。
12.小全张：小全张是把全套邮票印在一张小型纸上的邮票。它的图案、面值、枚数与同时发行的邮票完全相同，四周饰以花纹、图案及文字。
13.小型张：小型张是在一张纸上印一枚小张邮票，一般来说，小型张都是单独设计的图案，也有的是用原来的邮票图案印制的，小型张同小全张一样也可以整张贴在邮件上使用。
14.小本票：由数枚相同一面值或多种面值的邮票，连印在一起装订在小本册内，称小本票。小本票上的邮票与原邮票的图案、面值、刷色均相同，只是由于装订裁切往往有一边功两边无齿孔。
15.对剖票：邮票对剖开继续使用，这似乎叫人很难相信。但确实有把一枚完好的邮票对角分开或者竖着对半分开再使用的邮票。这种邮票一般都是在特殊情况下形成的。
16.发光邮票：发光邮票包含磷光邮票和荧光邮票，磷光邮票与荧光邮票在紫外灯下，能显示出特殊的颜色或鲜艳夺目的光彩，如红、黄、绿、蓝等。当贴有磷光邮票的信件进入自动信函分拣机时，磷光条杠在机器的紫外线灯照射下，就会发出闪闪的磷光或荧光。分拣机就会根据邮票上发出的磷光或荧光条杠数目，识别出寄往本埠、外埠和国外的信函，并自动盖上邮戳。
17.盘卷邮票：是邮局自动售票机出售的一种邮票，这种邮票在自动售票机内呈盘卷状，一般由1000枚至3000枚同一面值的邮票组成。
18.电子邮票：电子邮票又称自动化邮票，是邮局自动售票机自动加盖面值出售的一种邮票。当把硬币投入自动售票机内，按动所需面值的键，由电脑控制的号码机秒在空面值邮票上加盖面值出售。这种电子邮票一般无齿孔，背面无胶。
19.金属邮票：一般来说，邮票都是用纸印制的，但也有些是用金属材料制成的邮票。金属邮票背面裱有一层薄纸，可象普通邮票一样贴在邮件上使用。
20.唱片邮票：唱片邮票录有歌曲，背面裱纸，无齿孔。把它们放在电唱机上就会发出清晰悦耳的乐曲，听起来和普通唱片一样。
21.塑料邮票：塑料邮票图案景物逼真，活灵活现，惹人喜爱。它虽然也和纸制邮票一样能贴地信件上使用，但是有一个缺点，不容易盖销。因此，只能作为收藏品，不便在通信中实际使用。
22.丝绸邮票：丝绸邮票用丝绸印制的邮票。
23.奇形邮票：由于集邮活动在世界各国蓬勃发展，有些国家出于商业目的大量发行邮票。他们不仅在邮票选题、图案设计、印刷方面精益求精，而且在邮票形状上也不断创新。
24.尼龙邮票：是以尼龙化纤织物为材料印制的邮票。参考资料： http://hi.baidu.com/tzwxsw/blog/item/288756c25635c21c0ef47722.html
1：文艺复兴时期简介
文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。文艺复兴的原意是在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。
2：意大利早期文艺复兴时期
在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。
（1）佛罗伦萨早期文艺复兴美术
通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：
A：吉贝尔蒂
吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。
B：布鲁涅列斯齐
布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。
C：多纳泰罗
多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。代表作品：《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。《圣乔治像》(1415--1417)《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)
D:马萨乔
马萨乔(Masaccio,1401--1428?)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。
代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
E：阿尔伯蒂
著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的全才，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。
（2）意大利其它地区早期文艺复兴美术
佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。
A：弗兰切斯卡
弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416?--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物。这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。
代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。
B：乔凡尼·贝利尼
乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。
代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。
C：梅西纳
梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。
代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。
3：意大利盛期文艺复兴美术
16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰--著名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。
（l）：达·芬奇
达·芬奇(Leonardo da Vinci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495--1498)完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜·丽莎》(约1503--1506)达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
（2）：米开朗琪罗
西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。
(3)：拉斐尔
拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
(4):提香和威尼斯画派的杰出代表
在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。
A：提香
提香(Titian,1488/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。
代表作品《戴荆棘冠的基督》(约1570)，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。
（5）其它地区的美术家
A：萨托
萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了完美画家的称号。
代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。
4：样式主义美术
达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格;另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。
（1）庞多尔莫
庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。
代表作品《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。
（2）罗素
罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。
代表作品《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。
（3）布隆基诺
佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。
代表作品：《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。
5：意大利以外地区的文艺复兴美术
欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏陶，宗教气息十分浓厚。文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。
（1）尼德兰文艺复兴美术
尼德兰一词意为低凹的土地，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。百年战争(1337--1453)之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯吕特(Claus Sluter，约135/1360--1405)。有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。
（2）德国文艺复兴美术
德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。画家维茨(KonradWitz，约1414--1446)即是这方面的代表。他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin Schongauer,1445/1450--1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Younger,约1497--1543)。他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观著称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。现藏罗浮宫的《伊拉斯漠像》(约1523)是他的肖像画精品。作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位容智的人文主义学者的风采显露无遗。荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展作出了贡献。
（3）法国文艺复兴美术
百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。其中著名的有舍农索府、尚博尔宫等。这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。1530年，意大利样式主义画家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。罗索为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了枫丹白露派。这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。以著名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。15世纪驰名法国的大画家是富凯(Jean Fouquet，约1420--1477)，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。富凯在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。墨伦双联面中的《圣母子》(约1450)是他的重要作品。 16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。让·克卢埃(Jean Clouet，约1485/90--约1540/41)是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。《法朗索瓦一世像》(约1525--30)是他的成功之作。他的儿子法朗索瓦·克卢埃(Frangois CloueL约1510--1572)也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》(1571)是他最优秀的一件作品。从克卢埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆(GermainPilon，约1525--1590)。古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》(1549)。作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻划了女神们的轻盈的姿态。人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。
（4）西班牙文艺复兴美术
西班牙文艺复兴美术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶著名画家埃尔·格列柯(El Greco，1541--1614)。有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。格列何是一位有争议的画家，他以色彩和光线为主要表现手段，拉长的人物体态带有神经质的不安情绪，反映了没落贵族的忧郁的心灵。他的伟大之处还在于揭示了社会的矛盾，以哲学家一般犀利眼光洞察到了西班牙的危机。格列柯的艺术很长时期以来未被美术史家们肯定，直到本世纪初，人们又重新开始研究这位大师，日益发现他那独特画风的动人魅力，把他视为样式主义的最伟大代表。
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