感谢邀请，今天来为大家分享一下娱乐小知识卡通的问题，以及和日本动漫的一些知识的一些困惑，大家要是还不太明白的话，也没有关系，因为接下来将为大家分享，希望可以帮助到大家，解决大家的问题，下面就开始吧！
卡通的出现与早期发展
如果想了解什么是卡通，那么就不妨先从＂卡通″这个词的由来讲起。
卡通，是英语＂cartoon″的汉语音译。对于这个词的词源，有两种不同说法：其一是说它来自法语中的＂carton″（图画）；其二是说它源自意大利语中的＂cartone″（纸板）。
从卡通的词源上，我们就能够确切的获知，卡通作为一种艺术形式最早起源于欧洲。而在近代欧洲，有两个促使卡通出现的重要历史条件：首先，资本主义萌芽的发展，壮大了市民阶层的力量，导致社会结构的重大变化。其次，自文艺复兴运动以来，自由开放的艺术理念开始为社会所接受。这两个条件的相互作用，使得传统绘画走下了中世纪的神坛，日益接近平民的审美趋向，给以简御繁的卡通画提供了产生的社会基础。同时，作为市民阶层表达自身要求的手段，卡通画也被赋予了更为广泛的政治内涵。
在十七世纪的荷兰，画家的笔下首次出现了含卡通夸张意味的素描图轴。而以法国人奥诺雷-杜米埃（1808～1879）为代表的讽刺漫画家，更是将政治卡通发展到了艺术的高度。时至今日，政治卡通依然是西方大众文化的重要组成部分。
在卡通艺术的发展史上，英国扮演了一个相当重要的角色。众所周知，英国是最早建立现代议会民主政治的国家，同时也是最早进入产业革命的国家之一。民主政治的确立，保证了人民言论和出版的自由，为卡通艺术的发展提供了社会基础；产业革命的兴起，引发了报刊出版业的繁荣，为卡通艺术的发展提供了物质保证。
早在17世纪末，英国的报刊上就已经出现了许多类似卡通的幽默插图，但是由于缺乏专职画家和固定的艺术风格，因此还算不上真正的卡通画。随着报刊出版业的繁荣，到了18世纪初，出现了专职卡通画家，英国卡通的风格也逐渐定型。与同时期欧洲大陆的幽默讽刺画相比，英国的卡通画较多的取材于社会风情，以幽默含蓄见长。
这一时期，比较有影响的卡通画家包括威廉姆-霍格斯（1697～1764）、詹姆斯-吉尔雷（1757～1816）和托马斯-罗兰森（1756～1827）。这其中，霍格斯的代表作有《浪子回头》和《哈洛特漫游记》等，罗兰森则主要是创作了《辛塔克斯大夫一生的旅行》。值得一提的是，霍格斯等人的作品已经不再是传统的单幅画，而是发展成为了彼此关联的系列画，具备了连环画的雏形。
1841年，著名的《笨拙》（Punch）画报在伦敦创刊。这本著名的谐趣性期刊，在卡通发展史上占据着显著的地位。事实上，正是这个刊物的供稿人、著名画家约翰-里奇和编辑马克-吕蒙首次将幽默讽刺画正式命名为＂卡通″。同时，这本刊物也是传统的卡通画向连环画过渡的重要桥梁。在早期的《笨拙》画报上，就已经连载了许多与连环画的概念相近的作品。而约翰-里奇绘制的《布瑞克先生历险记》，更是具备了众多连环画的构成要素。
十九世纪末，彩色印刷术的出现引发了出版业的一场革命。相应的，彩色漫画开始出现在人们的视野中。
1901年，著名出版商哈姆士-沃思，在并购了几家杂志的基础上，成立了联合出版公司（简称＂AP″），先后出版了《小精灵》、《水泡》、《微笑》、《彩虹》、《老虎提姆》周刊和《丛林狂欢》等漫画刊物。另一位出版商亨德森，也推出了《乐趣无穷》（1906）、《漫画天地》（1909）、《精思妙语》（1910）和《火花》（1918）等杂志。其它如＂特莱普斯和霍姆士″公司出版的《烟火》和皮尔逊出版的《大汇刊》等，都不同程度的介入了彩色漫画的出版与发行。这一时期，英国漫画期刊一个重要的变化，就是刊物的读者定位由成年人逐渐转向儿童和青少年。而AP公司是这个趋势最大的受益者，他们成功的推出了＂老虎提姆″的卡通形象，使其一跃成为孩子们钟爱的卡通明星。它的姊妹作《熊娃娃》也取得了不俗的销售业绩。另外，《老虎提姆》的作者之一福克斯-韦尔还创作了《小虎吉莉》和《河马小姐》等少女漫画作品。
与政治卡通和漫画相比，动画片的发展历程似乎更富有传奇色彩。如前所述，动画艺术是现代影视艺术的重要组成部分。然而，在动画和电影的＂史前阶段″，两者却是合而为一的。直到摄影术发明之后，电影和动画才开始分道扬镳。
1895年，法国的卢米埃尔兄弟最先向公众展示了他们的＂电影机″，并放映了《火车进站》、《海水苑》等影片。现代电影就此诞生。而第一部动画电影却是在十年后才得以问世。其中的部分原因是由于动画片高昂的制作成本。时至今日，动画片依然是需要高投入的文化产品。
1906年，在爱迪生实验室工作的布雷克顿（J.Stuart Blackton）制作了《滑稽脸的幽默相》（The Humorous phases of Funny Faces），这也是世界上第一部动画影片。此后，来自法国的埃米尔-科尔（Emile Cohl）进一步发展了动画片的拍摄技巧，并且先后制作了250余部动画短片。同时，他也是第一个利用遮幕摄影的方法，将动画和真人表现结合起来的先驱者。正是因为科尔对于动画片发展的杰出贡献，他也被奉为当代动画片之父。
另一位对早期动画发展产生重要影响的是美国人温瑟-麦凯。他出生在美国的密西根州，早年曾经靠给马戏团、通俗剧团画海报为生，后来成为了报社记者和漫画专栏画家。1914年，麦凯推出了一部剧情动画片《恐龙葛蒂》（Gertie the Dinosaur）。这部动画片的推出，改变了此前在动画作品中的纯艺术倾向，把故事、角色和真人表演等组织成为互动式的情节，取得了相当好的效果。而憨态可掬的恐龙葛蒂，更是成为了名噪一时的卡通明星。继《恐龙葛蒂》之后，麦凯又制作了《露斯坦尼亚号之沉没》。这是第一部以动画方式制作的纪录片。
温瑟-麦凯的成功是具有象征意义的。他以自己作为漫画家的修养和积累，开创了一种重视角色的塑造、故事结构和通俗趣味的新型动画创作模式。在麦凯之后，美国的动画家们开始走上了一条与他们的欧洲同行截然不同的道路。一个属于新大陆的卡通时代就要到来了。
黄金时代的卡通帝国
在二十世纪上半叶，美国卡通艺术的发展水平居于世界的领先地位。而毋庸置疑的是，这种领先是全方位的。
早在1840年，波士顿的DC约翰斯顿公司就发行了名为《克赖斯帕》的单页画报，这可能是最早出现在美国的卡通作品了。此后，随着欧洲移民的不断涌入，原本流行于欧洲的卡通艺术也开始登陆美国。
1880年，美国报业大亨普利策在他的《纽约世界》报上增设星期日特刊，并在其中增加了卡通专栏。此后不久，另一位报业巨头赫斯特也开始在自己旗下的《纽约杂志》和《美国幽默大师》等刊物上定期发表卡通作品。这意味着卡通作品在增加报刊发行量上的作用，已经得到了广泛的认可。而上述两大报系的强力介入，无疑是给还处在幼年期的美国卡通注射了一针助长剂，自此美国卡通的发展驶进了快车道。
1895年，著名漫画家奥特考特（R.F.Outcault）创作的系列漫画《黄孩子》（Yellow Kid）开始在普利策创办的《纽约世界》（New York World）上发表。但不久之后，奥特考特带着＂黄孩子″一起跳槽到了赫斯特旗下的《纽约杂志》（New York Journal）。《黄孩子》系列最初的名称是＂Hogan’s Alley″，故事的主人公是一个年纪在六、七岁，身着脏睡衣大脑袋，名叫＂Mickey Dugan″的小孩儿。其实，这件睡衣在开始的时候是蓝色的。到了1896年，由于一项新技术的应用使人们能够轻易的将纸染成黄色，Dugan也就此换上了黄衣。后来，奥特考特又在漫画里加上故事主人公的对白，使大家更容易理解故事主题。这也使得《黄孩子》成为了名副其实的连环画。由于＂黄孩子″的形象已经深入人心，精明的商人们便以这个形象为基础，开发了大量有关＂黄孩子″的周边产品，其中包括玩具、塑像、广告招贴等。尽管＂黄孩子″也经历了许多的波折，但是在它首次面世后的第七年，即1902年，《黄孩子》系列终于出版了单行本。应该指出的是，《黄孩子》的成功不但促进了美国卡通漫画的发展，而且为漫画作品的商业运作提供了经典范式。
在整个二十世纪初，卡通漫画始终在寻找与美国文化的交汇点。在这个过程中，产生了许多优秀的作品和令人难忘的卡通形象。不过，直到三十年代初，美国卡通漫画的黄金时代才真的来临。
对于＂黄金时代″，有这样一个精辟的描述：美国漫画的黄金时代就是超级英雄在廉价画报上横行的时代。众所周知的，诸如超人（SUPER MAN）、蝙蝠侠（BATMAN）、闪电侠（FLASH）、潜水侠（AQUA MAN）等众多的超级英雄形象都产生在这个时期。这些超级英雄的共同特点就是拥有健美运动员般的身材，常人无法具备的超能力，不断打倒邪恶又强悍的敌人，拯救世界。而其中最具代表性和持续影响力的，恐怕就要算是超人和蝙蝠侠了。
《超人》的主角是一个来自氪星球、具有超能力的外星人克拉克。在他还是一个婴儿的时候，便乘坐太空船从氪星来到地球，并被善良的肯特夫妇收养。长大后，他开始发现自己拥有地球人不具备的超能力。为了掩饰身份，克拉克从偏僻的小镇来到了大都市，并在《星球日报》担任编辑，从而结识了年轻貌美的女记者露易斯。从此以后，每当城市的安全和秩序受到恶势力的威胁时，总会有一个披着斗篷、身着紧身衣的飞天英雄及时显身，拯救那些陷入危机中的人们。不过，大多数情况下，超人的主要任务都是英雄救美。
《超人》系列最先在《动作漫画》（ACTION COMICS）第一期上发表，并迅速风靡全美。1939年1月16日，《超人》开始在报纸上连载。到1941年，已经有超过三百种报纸每日连载《超人》漫画。而以＂超人″为主题的动画片、电影和电视剧，更是在此后的半个世纪中层出不穷。毫不夸张地说，＂超人″已经成为了一个时代的标志。
几乎是在超人取得成功的同时，＂黄金时代″的另一位超级英雄蝙蝠侠也走入了人们的视野当中。
蝙蝠侠原名叫做昆布西，出身于一个显赫的富豪家庭。在他很小的时候，父母被歹徒所杀，因而变成孤儿，由管家抚养长大。长大后，他发誓为铲除罪恶而战。于是，他便成为了身着蝙蝠装的蒙面豪侠。除暴安良，制裁法律的漏网者成了他最重要的使命。
蝙蝠侠的故事最早出现在《侦探漫画》（DETECTIVE COMICS）的第二十七期上。与超人相比，蝙蝠侠是一个没有超能力的普通人，这也正是他的魅力所在。而蝙蝠侠用于对抗邪恶的主要工具是各式各样的科技发明，其中最为著名的就是那辆万能蝙蝠车。
在黄金时代的众多超级英雄中，神奇女侠（WONDER WOMAN）可以说是一个＂另″。这不仅仅是因为它打破了此前男性对于超级英雄形象的垄断，更为重要的是，她的出现彻底重构卡通世界中两性秩序，使得女性角色不再只是男英雄们的附庸，而真正成为主宰故事的主角。因此，当＂神奇女侠″系列于1941年底在《全明星漫画》（ALL STAR COMICS）上推出后不久，便受到了众多女性读者的热烈欢迎。
漫画英雄的出现绝非偶然。事实上，它是漫画艺术与美国文化碰撞的必然结果。美国文化的核心就是所谓的＂个人主义″。这是一种以崇尚个人奋斗和强调优先保护个人利益为要旨的文化。出于这种文化背景，特别是在三十年代的大萧条和二次大战给美国社会带来剧烈冲击的情况下，人们欣赏和渴望＂救世主″式的超级英雄，将他们看作是希望和力量的象征。因为在现实世界中找不到这样的人物，于是人们便转而在杜撰的世界中寻求精神寄托。
在第二次世界大战期间，美国的社会经济不但没有被战争拖垮，反而获得了空前的发展和壮大。由于战争而激发出来的爱国主义成为了当时美国文化的主流。于是乎，漫画中的超级英雄们也纷纷投入了保卫国家、反对纳粹的战斗中。＂黄金时代″也迈向了巅峰。
随着卡通漫画在美国社会中的影响力日趋增强，美国漫画的发展也逐步走向了多元化，出现了教育漫画、科学漫画、西部漫画等新题材。与此同时，一味的追求利润最大化的商业炒作，使得美国漫画中的暴力、色情等不良因素激增，有的漫画出版物甚至赫然标明＂儿童不宜″。由此，漫画业成为公众和舆论抨击的焦点，并最终导致了＂黄金时代″的没落。
1945年春，弗雷德里克-魏斯曼博士的《引诱无辜》一书出版。魏斯曼博士是一位在当时的社会上相当有影响的知识分子，同时也是政界的知名人士。他始终坚信＂充斥着暴力和阴暗内容的漫画，是助长青少年犯罪和社会混乱的根源″。虽然事后的调查表明，魏斯曼博士的绝大部分论断都是缺乏事实根据的，但这本书的出版恰恰迎合了当时主流舆论对漫画业的广泛批评，因此立即得到了各界的支持和肯定。一时间，漫画成为了超级禁书，人们时常用谈论毒品的口吻来谈论漫画。
1954年4月，美国联邦参议院青少年犯罪调查委员会针对漫画对青少年的影响问题举行公开听证会，魏斯曼博士以证人的身份出席。他声称：漫画是玷污儿童纯真，引发少年犯罪的罪魁祸首，相对于漫画而言希特勒只是小儿科。＂孩子们往往从四岁开始，就遭受到漫画的毒害。″他甚至要求马上禁止漫画的出售。
虽然，这次听证会没有能够形成一个明确的结论，但是参议院最终还是要求颁发一个检查标准，杜绝漫画中一切可能毒害青少年和败坏道德的内容。这其实就是在舆论上宣判了＂黄金时代″的死刑。在参议院听证会后不久，漫画出版商们在1954年10月26日成立了＂美国国内漫画杂志联合会″，并制定了＂联合会内部检查标准″，还要求在此后出版的漫画封面上明确标明限制等级。
这无疑是一个对美国漫画业具有深远影响的事件。由于这个多少有些矫枉过正的标准，此前畅销的恐怖、警匪类漫画几乎绝迹；西部漫画中的牛仔们也不得不大幅收敛，肉搏和枪战的场面明显减少；甚至于搞笑动物漫画里的＂暴力″举动也变得畏首畏尾。许多出版社和漫画刊物因为发行量的急剧下跌而破产，大多数职业漫画家迫于生计压力也不得不转行。当然，像《美国上尉》的作者乔-西蒙这类少女漫画作家，也因为超级英雄的缺席而一度走红。不过，从整体上看，美国漫画业还是因此而元气大伤，虽然日后有所恢复，但终究还是没能重振昔日雄风。
与美国漫画业一波三折的发展历程相比，同时期的美国动画业却始终保持着强劲的发展势头。而要回顾这段历史，就不能不提到沃尔特-迪斯尼和他的迪斯尼公司。
事实上，在沃尔特-迪斯尼之前，美国已经拥有了不少杰出的动画家，但是作为后来者的沃尔特却是真正促使美国动画业走向飞跃的人。因此，我们有足够理由认为＂沃尔特-迪斯尼是动画史上的第一位大师″。
1923年，年仅22岁的沃尔特-迪斯尼告别了故乡堪萨斯，动身前往好莱坞寻求发展。那时的好莱坞是一片创业的热土，而此时的电影仍处在默片阶段，至于动画片也只不过是摆在电影开演前的助兴节目而已。在那里，他白手起家，以仅有的3200美元注册成立了＂迪斯尼兄弟动画制作公司″。在沃尔特来到好莱坞的这一年，他完成了自己的第一部动画作品——由真人和动画人物合演的无声动画片《爱丽丝在卡通国》。
在好莱坞的最初几年中，迪斯尼和他的公司渐渐的站稳了脚跟，但是在1927年沃尔特遭受了他事业上的第一个沉重的打击。这年，他创作的第一个广受欢迎的卡通人物＂幸运兔奥斯华″被发行公司用欺骗的手段夺走，公司因此几乎陷入绝境。恼火而无奈的迪斯尼踏上了返回故乡堪萨斯的列车。然而，正是在这次返乡的旅途中，沃尔特的头脑中出现了一只活泼可爱的小老鼠。后来，沃尔特的夫人给这个崭新的卡通形象取了个响亮的名字＂Mickey Mouse″！这就是日后享誉世界，为各个国家的儿童所喜爱的卡通明星——米老鼠。
米老鼠的出现，固然为迪斯尼公司提供了一笔巨大的无形资产。然而，要使米奇和他的伙伴们成为人见人爱的超级明星，迪斯尼公司还必须有新颖的制作理念。而新理念的核心就是重视剧情的设计和不断创新。
在迪斯尼之前，动画片作为普通电影放映前的垫场节目，往往只看重视觉效果而不太注意故事情节的安排。迪斯尼的米老鼠系列则反其道而行之，在制作的初期就对作品的情节进行周密的安排，让短短七八分钟的小片子变得非常引人入胜，再加上制作精良的画面，迪斯尼的动画片一下子就甩掉了几乎所有的竞争对手。
除了先进的创作理念，对创新的敏感是迪斯尼的另一张王牌。20年代中后期，电影告别了默片时代，有声电影的出现引发了整个电影业的革命。沃尔特敏锐的察觉到了变革的来临，开始尝试制作有声动画片。1928年11月18日，作为电影史上的第一部音画同步的有声动画片，《汽船威利号》在纽约市的殖民大戏院隆重首映，并取得成功。到了1932年，迪斯尼又推出了第一部彩色动画片《花与树》（Flowers and Tree）。除了预料之中的轰动之外，它也为迪斯尼赢得了奥斯卡动画短片奖。五年后，即1937年，迪斯尼耗费数年时间精心打造的第一部全动画卡通剧情片《白雪公主》（Snow White and the Seven Dwarfs）上映。这是一部划时代的动画片，具有里程碑的意义。而且因为这部作品所取得的巨大商业成功，使得迪斯尼的制作计划开始向长片倾斜。紧接着，在1940年里，迪斯尼公司连续推出了《木偶奇遇记》和《幻想曲》两部动画长片。其中，《幻想曲》更是被视为现代动画片的经典之作，推出伊始便获得了广泛赞誉。在不断推出新作的同时，迪斯尼的卡通明星阵容也不断扩充，除了米老鼠之外，米妮（Minnie）、布鲁托（Pluto）、高菲（Goofy）和唐老鸭（Donald Duck）等新形象也陆续出现在了迪斯尼的动画片中。伴随着不断涌现的优秀作品和卡通明星，迪斯尼公司终于在40年代初确立了它在卡通帝国中的霸主地位。
对于整个美国动画业而言，迪斯尼的成功具有巨大的示范和推动作用。由于动画市场的扩展，许多新动画公司如雨后春笋般纷纷成立，此时的好莱坞已经是全美、乃至全世界动画业的中心了。凡-伯伦制片厂（Van Beuren Studio）就是这些新动画公司中的一员，在他的旗下同样聚集了一批优秀的青年动画家。在30年代后期，这家公司推出了著名的系列动画片《汤姆猫和杰瑞老鼠》（Tom and Jerry），并获得成功。另一家有影响的动画制作机构是华纳制片公司在1934年创立的动画部，主要作品包括：《猪豆子》(Porky and Beans)、《达菲鸭》（Daffy Duck）、《邦尼兔》（Bugs Bunny）等系列动画片。与迪斯尼的米老鼠一样，它们也都是尽人皆知的卡通明星。
然而，在迪斯尼辉煌的成功里，危机也在悄然孕育着。成立之初的迪斯尼公司，以艺术和创造为信条网罗了大批一流的动画人才。但是，随着公司的不断发展壮大，迪斯尼的艺术风格也逐渐趋于固定，迎合观众和市场的需求成为了节目制作的基础和前提。更重要的是，迪斯尼的员工越来越感到，公司的繁荣并没有给他们带来预期的收入增长，不满情绪开始在迪斯尼的内部蔓延。到了四十年代初，迪斯尼公司属下的动画家们开始筹备成立工会，希望以此来与公司高层对抗，争取提高报酬。可是，高层的态度似乎要比想象中的更为强硬，由此也引发了一场旷日持久的＂口水战″。最终，许多公司的业务骨干负气出走，并合伙成立了＂美国联合制片公司″（United Productions of America，简称UPA）。
虽然经历了许多波折，但是沃尔特-迪斯尼和他的公司依然是那个时代无可辩驳的成功者。今天的迪斯尼已经成为了世界性的＂娱乐王国″，这也从另一个角度上证明了沃尔特的理想和成功是超越时代的。
总而言之，在这一时期，无论是美国的漫画业还是动画业，都取得了长足的发展。值得注意的是，在这个发展过程中，围绕着卡通产品，美国的娱乐产业形成了一套完整的商业运作体系，实现了卡通自身发展的良性循环。而＂美式卡通″也正是以此为基础，才得以实现它在全球范围内的扩展，成为了一股不容小视的文化力量。
新浪潮的勃兴在二战前后，虽然欧美卡通产品依然占据着世界卡通市场的主流，但是由于经济社会和大众文化的变革，卡通艺术在全球范围内的发展，也呈现出前所未有的全方位、多元化的发展态势。无可否认的是，一股卡通业的新浪潮正在兴起，并将席卷全世界。
就在美国卡通走上商业化道路的同时，欧洲的漫画家和动画家们似乎依然在坚守着他们固有的艺术理念。但即使如此，这一时期的欧洲卡通也绝不乏经典之作。
在德国，这一时期出现了一位具有世界影响的漫画大师埃-奥-卜劳恩。卜劳恩的原名叫做埃里西-奥塞尔，出生在德国萨克森州的一个偏僻小镇。后来由于工作变动的缘故，埃里西的父亲携全家移居到福格兰特山区的首府卜劳恩市。而埃里西之所以会用＂卜劳恩″作为自己的笔名，也是出于对这座城市的怀念。在1921年到1933年期间，埃里西以画家的身份发表了大量的卡通画，还为他的挚友、作家埃里西-卡斯特纳的许多作品画过插图。然而，随着纳粹党的上台，德国的社会政治气候迅速右转。因为不满纳粹党的倒行逆施，埃里西创作了一些以纳粹党为讽刺对象的漫画作品，结果招来了纳粹头子约瑟-戈培等人的忌恨。埃里西的漫画作品一度被查禁。
后来，因为当时的《柏林画报》需要一位能够画连载漫画的画家，负责此事的著名作家、出版家和编辑库尔特-库森贝格博士便找到了埃里西-奥塞尔，希望能够由他来承担这项工作。最终，由于《柏林画报》的积极周旋，纳粹当局解除了对埃里西的禁令，但却附加了一系列苛刻的审查条件，并且绝对禁止他的作品中出现任何与政治有关的内容。
尽管如此，埃里西还是在1934年到1937年期间先后完成了200多套作品，这也就是著名的《父与子》系列漫画。在法西斯横行的岁月里，这套漫画作品宛如人性的绿洲，成为德国人民面对残酷现实生活时最好的心灵慰籍，因而赢得了许多人的喜爱。《父与子》被誉为德国幽默的象征，其声望很快就跨出了国界。
1929年，比利时漫画家埃尔热开始创作《丁丁历险记》系列。从那时起直到1983年3月埃尔热逝世为止，《丁丁历险记》先后完成了二十余卷。1986年，作为埃尔热生前未能完成的最后一部作品《丁丁和阿尔法艺术》出版，丁丁系列就此完结。评论界普遍认为，丁丁系列的成功应该归结为作者对于将故事主线和真实背景有机结合的充分重视，因此埃尔热也被称为是＂漫画新闻记者″。不管怎样，由于融合了纪实风格和幽默风趣的创作元素，丁丁系列成为了漫画史上最杰出的作品之一，埃尔热也因此而步入了漫画大师的行列。
就在美国的动画家们尽情享受＂黄金时代″的时候，欧洲的动画家们却依然执著于试验与艺术化的道路。这从两者对于同步声音技术的运用上就可见一斑。在美国，人物声音主要用来展现角色的特征和个性；而在欧洲，声音效果却被用来作为实验的＂素材″。事实上，欧洲的动画家几乎将动画片中的画面和音效之间的配合发挥到了极致。这些有益的尝试与探索，极大地丰富了动画片的表现手法，对动画艺术的发展进步起到了推动作用。但是，动画片毕竟是一种需要高投入的文化产品，如果没有完整的产业链条支撑就很难作大作强。随着美国动画片的大举进入，欧洲本土的实验动画也逐渐的凋敝了下去。
也许没有人会想到，第二次世界大战的爆发给了欧洲动画业一次＂中兴″的机会。由于大战的影响，原本连成一片的世界卡通市场被分割成了若干块，客观上刺激了各国卡通业的独立发展。同时，因为许多国家的政府都把动画片作为战争动员和宣传的重要手段，所以开始出现了以政府投资来扶植本国动画业发展的局面。
在战时的英国，新成立的＂哈拉斯和巴契乐″动画公司受英国当局的委托，前后共制作了七十多部支援战争的动画宣传短片。这些短片在英国各地的影院和剧场里放映，对鼓舞英国人民的斗志起到了积极的作用。类似的＂战争动画″，也曾经出现在美国、日本这样的参战国家里。战后，虽然不必再将动画片作为战争动员的手段，但是它依然是一种重要的宣传媒介，因而受到政府和民间机构的广泛重视。动画片作为一种媒介被运用在公众关系、企业广告、文化教育，乃至政治竞选等方方面面。这使得欧洲的动画业找到了新的支点。
与西欧国家相比，东欧和前苏联的动画业稍显滞后，但却有着属于自己的风格和体系。亚历山大-巴斯克金、布拉姆帕格姊妹等都是前苏联动画界的杰出代表。其中，布拉姆帕格姊妹在1925年完成《中国烽火》（Chinese on Fire），更是为中国观众所熟知。虽然有的西方评论家认为俄国的动画片过于刻板，但是从总体上看，前苏联的动画家还是从本国的丰富文化遗产中发掘了大量优秀的素材，拍摄出了不少优秀的动画作品。
让我们再回到美国。在＂黄金时代″末期出现的多元化的风格被新一代的美国漫画家所继承，从而产生了许多优秀的漫画作品。
1950年10月2日，美国著名漫画家查尔斯-舒尔茨（Charles Schulz）开始发表他的《花生》系列漫画（PEANUTS）。在那以后的五十年里，花生系列取得了空前的成功，先后被翻译成21种语言，在75个国家的2600余家报纸上刊登过。漫画的主角小狗＂史努比″更是成为了号称拥有＂全球三亿五千万忠实读者″的超级漫画明星。《花生》的出现标志着美国漫画业中新势力的崛起。类似的成功范例还包括吉姆-戴维斯和他的《加菲猫》系列。
随着时间的推移，＂魏斯曼事件″的影响逐渐淡化，超级英雄的故事也开始回到美国人的生活当中。1956年，在《秀场》杂志的第四期上，新一代＂闪电侠″正是登场，从而标志着超级英雄的复归。自此之后，＂黄金时代″的英雄们大都重出江湖，而新一代超级英雄更是不断涌现，这其中包括在1962年登场的＂蜘蛛人″（SPIDER MAN）、1974年首次亮相的＂狼人″（W
1.原作或企画：创作原剧本，故事，小说的人。
2.脚本:将剧本或小说详细化的工作，具体到人物的对话，场景的切换，时间的分割。
3.总监督:导演,一部片子全靠他了！
4.作画监督:负责整个作画的风格。这是一个很大的卖点！
5.美术监督:负责整个背景绘制的设定。
6.摄影监督:将画片拍成底片这个流程的负责人.
7.音响监督:配音,效果音,配乐剪辑的负责人.
8.演出:按导演的风格用极简单的线条画出分镜表.对人物的动作，场景......做出指示
9.人物设定:角色设定，设定一部动画片的人物！
10.机械设定:机械设定，设定动画片中的机械如桌子椅子，机器人等等。
11.设计稿:将分镜表进一步画成接近原画的草稿,告诉原画如何工作，一般上面都有导演的指示。
12.原画:按设计稿画出动画中人物等主要动作的人，造型能力很强，有良好绘画的基础。（我国有些动画加工公司有此人员，数量比较少）
13.作监：修正原画的错误，将原画画的不好的地方改正（水平极高）
14.背景：画场景的工种，要有很好的水粉和水彩的功底。
14.动画:把原画间的动作画全.是整个动画片的主要部分，影响整个动画片质量的好坏，人数最多的部门，是最基础的环节，也是工作最累，时间最长的部门。
动漫名词解释
1。ova
所谓ova，即Original Video Animation的简称，说白了就是录象带！！外国人是没有vcd这种玩意的！！！所以很多动漫是以录象带的形式发售的。一般不会通过电视或影院来放映，除非是为了扩大宣传或者商品本身很热买！！！
2。剧场版
从字面上就能看出来，就是在电影院放的动画片！！！剧场版来源有二，其一，当某部TV作品特别叫座时，制作人员便开始策划将题材做出一部动画电影。这一类往往是由剧情本身另立门户的，但也有向《高达08ms小队剧场版》将TV版浓缩后放映的。其二，就同拍普通电影一样，不一定非得有TV动画，原创剧本一样可以。如宫崎俊的动漫电影！
3。TV版
这个~~~~地球人都知道了吧！就是在电视上播出的动画！！日本动画一般是边做边播~~
4。原作
举个例子，《龙珠》的原画是鸟山明，所以原作往往指漫画的原作者，不过也有动画是根据小说改编的，那他的原作就是小说的作者。
5。脚本
脚本：1，剧本的别称。2，写脚本的人。
6。原案
和“脚本”类似，但更接近“策划”。剧情的大致构思，基本设定等都是他们来决定，但最后的脚本不一定是他们来完成。
7。监督
嘿嘿，就是“导演”，全组的首脑、核心，就像我~~~~~`
8。CV
Character Voice声优（你不要说你知道什么是声优）。也有部分动画最后用“CAST”的字幕。
9。绘ュソテ
专门对付分表镜的。分表镜，即先将动画表现方式大致画在纸上，包括人物移动、镜头移动、视角转变，配上相关文字阐释。
10。Layout
就是“画面构成”，对分表镜进行加工画接近原画的草稿，有监督标上完整的指示。
11。企化
就是发掘有制作成动画潜力的漫画的人。（是不是很绕口）
12。Character Design
角色设定，有关造型、服装、个性等等。
13。Mechanical Design
机械设定，所有有关机械方面的设定都是他们一手包办。
12.作画监督:负责整个作画的风格与品质的控制,"作画"通常指会动的部份如人物,车辆....
13.美术监督:负责整个背景("美术"通常指不会动的部份)绘制的设定,风格,品质的控制.
14.摄影监督:将画片拍成底片这个流程的负责人。
15.音响监督:配音,效果音,配乐剪辑的负责人。
16.音乐:配乐的作曲者。
17.原画:将分镜表或 Layout仔细画成动画片的人,这时只有动作的主要部份.通常画原画的都是比较强的,作画监督也常常自己下海画原画。
18.动画:把原画间的连续动作补起来.画动画的通常是新人杂鱼,不过却是动画业界的原点,从动画->原画->作画监督....一路操上来的人底子是最坚强的。不过因为是最基层的工作,辛苦钱又少,肯做的人越来越少了....因此找台湾,大陆,韩国代工者居多。
19.色指定:同中文。
20.仕上□:加工,修整,著色好像也是这部份的工作。
21.编集:拍好片子以后的剪辑。
22.录音:同中文。
23.现像:冲片显像。
24。深夜当
于深夜播放的动画片，往往是凌晨。与晚7点8点播放的动画片不同，深夜动画明显带有成人倾向。但这里的成人决非你们所想象的“那种那种”！！而是为年龄层次偏大的观众所制作的。所以常常相对深刻、沉闷、理性一点。如《LAIN》《NOIR》《HELLSING》。当然也有小部分是多多少少和“血腥”、“暴力”、“色情”挂钩而转移到了深夜的。
25。帧数
“一帧”就是一幅画面，所谓日本动画有24帧就是指一秒播放24幅画面，当然美国动画是每秒30帧的，所以看起来比日本动画更流畅。
26。XX弹，XX话
第XX话，多指TV动画的第XX集。而XX蛋往往说剧场版的第几部，也有指OVA的。
27。补完
是不是庵野秀明发明的不得而知，但确实在《EVA》中出现多次。补完，补完，补充完结，交代原本没交代清楚的事，说明一点原本没说明的理。
28。OP，ED
OP：OPENING的缩写，片头。
ED：ENDING的缩写，片尾。
动漫小词典
动画名词解释――演出
日文“演出”一职，是在日本动画制作中特有的职称。简单说，他是辅佐导演的人，在TV系列和在OVA版、MOVIE版中扮演的角色也不大相同。
在TV系列中，因为导演太忙，不大可能全程兼顾每一集，所以各集的“演出”就相当於该集的“专属导演”，顺著(总)导演的意图，全程掌控该集的制作。
而在OVA、Movie中，“演出”这个职位就比较像“助监督”(副导演)，了解导演的意图，协助处理演出工作的细节（“演出工作”就是“把剧本文字转化为镜头画面”的过程,有点像西方电影或舞台剧所谓的“场面调度”）。他的工作相当近似於监督，一定要相当熟悉动画语言的人来担任，但不一定要很会画图(正如导演也不一定要很会画图一样.....)所以，有人译为\"Co-director\".也有人译为\"Assistant Director\"或\"Executive Director\"。（另外日文还有“出演”一词，通常是指“演员”，只有在真人演出的电影电视等才会看到，动画制作群里则无。）
动画名词解释――剧场版
什么是剧场版(动画)？当初公开是为了在电影院播放而制作的动画称之。这类作品的制作成本与投资、人力都高於OVA与电视版动画，画工也极尽可能的豪华，不论在动作的流畅度、使用的分色数等，可以明显地看出与前两者的差别。通常一部剧场版动画是90分钟，不过没有一定，歧异度很大。现今，只要的受欢迎的TV动画，通常都会推出相应的剧场版，但剧场版无论是故事还是人物，通常都会和原TV版有所差异。例如《少女革命》和《超时空要塞》都的剧场版都只保留了原作故事和人物的主线。
动漫专用词语
初回特典--指再日本有名的动画第一次放映时举行的典礼
映像特典--放映有名动画大片时举行的典礼
予约缔切日--预约期满
无料--免费
登场--动画人物出场
收录--指这部作品中所收录的东西
大人气作--非常非常受欢迎的动画作品
通常版--一般普通的,非精装版的动画
设定资料集--指一些游戏动画等的设定资料集
原案--就是蓝本初稿
作画监督--类似导演,修改原画的人
全员--全体成员
动漫专用词语
TV版动画：指电视台播出的动画连续剧。
剧场版动画：在电影院放映的动画。
OVA：出售的制作成录影带出售的。
声优：日本对配音演员的称呼。
表纸：指得是封面。
同人志：某些漫画人或爱好者自己出资运作的小团体，有其自己的内部流通的小杂志。
资讯志：指介绍一切与动漫有关消系的杂志。
动画总监：导演。
赏：在日本当奖的意思。动画赏就指动画奖。
圆笔尖：较小巧，可画出纤细的线条。
G笔尖：许多漫画家爱用的笔尖，可画出粗细不同的线条。
刮网刀：可用于网点纸的创做，能刮出许多种不同效果。
人物设定：指在某部动画、游戏等中专司人物设计的。
故事设定：写剧本的。
周边产品：指一切和动漫有关的东西。
音乐名词解释
OP：（opening）即片头曲。
ED：（ending）即片尾曲。
TRACK：曲目、音轨（也可缩略为TRK）
BGM：（BACK GROUND MUSIC）背景音乐，在戏剧的过程中所要用到的，一般收录在OST中。
ユレクション COLLECTION：即选集，又称合集。一张CD里即可以是同一个系列的选集，也可以是不同系列的选集，大部分收录的是所谓的“精华”。COLLECTION有BEST COLLECTION、THEMES COLLECTION、SINGLE COLLECTION、DIRECTORS COLLECTION等。
ィメ－ジ?アルバム IMAGE ALBUM：印象集，不同于OST，其中的曲子并非是对原剧中的音乐忠实的再现，而是通过与原作有些不同的方式将原曲演奏出来，以便相对独立的构成曲目（更适合像音乐会演奏的场合）。给人的感觉是印象中的原曲。
IMAGE SONG：指角色歌曲,一般是由声优以角色身份演唱
MIX/REMIX：一首曲子的混音版或一张混音专辑。和印象集又有点不同，混音版的乐曲在OST的基础上对音乐进行重编辑，并加入人声、环境音效或其他五花八门的东东，以期达到一种更好的或不同于OST的效果，给人的感觉非常的酷！一首在动画中听起来很沉闷灰暗的曲子，在REMIX版里可能是一首非常劲爆的舞曲哦！
LIVE：实况录音盘，一般是现场演唱会的，可以感受到实际参加演唱会的效果。
VOCAL：有人声的，非纯音乐带，一般指歌曲。
DRAMA：类似于广播剧，即是用一群声优来演出，但一般都是相当具有水准的。
THEME SONGS：主题歌，一般是系列里最有名的歌曲。
BONU TRACK：CD后特别附加的音轨，可有可无。
SINGLE CD：只有一两首歌或两三首歌的CD，天！这样的CD也会有人买？好像是用来现炒现卖的，通常不可能见到再版。
VOCAL BOOK：有声CD书。就像是关上屏幕看VCD一样。
：（不是性虐待！）笙美贸易有限公司。似乎是一个主营日本进口动画CD的公司，目前国内不管是哪个版本的D版或Z版的此类CD都是从这个公司里出来的。（原版的SMCD似乎也价格不菲）
CD编号：时间一长，你会发现这些动画CD都会有一个GGG\A&G\GA\GM之类的标识，每一个标识对应一张CD，互不相同，如果一张CD找不到对应的CD编号，则是非官方发布的CD。可能是D版的D版，质量更值得怀疑，建议大家不要买此类CD。
CV：Character Voice声优,动画角色的配音员.
OST：Original Sound Track(原声音带)，即作品原声大碟，一般收录作品（动画、电影etc...）的配乐、主题曲等等。
OVA：Original Video Animatin(也叫OAV),直接发行录影带版本的作品,没有先在戏院或电视上放映.
音乐知识
LIVE：实况录音盘，一般是现场演唱会的，可以感受到实际参加演唱会的效果。
VOCAL：有人声的，非纯音乐，一般指歌曲。
DRAMA：类似于广播剧，即是用一群声优来演出，但一般都是相当具有水准的。
THEME SONGS：主题歌，一般是系列里最有名的歌曲。
BONU TRACK：CD后特别附加的音轨，可有可无。
SINGLE CD：只有一两首歌或两三首歌的CD，纯粹用来现炒现卖的，通常不可能见到再版。
VOCAL BOOK：有声CD书。就像是关上屏幕看VCD一样。
另补一篇，有重叠部分
TV版：由电视台播映的电视动画。
OVA版：Original Video Animation原创影像动画的缩写。
剧场版：动画电影。
九字真言：经常在一些收妖除灵的题材里看到这九字密宗真言，那么这九字密宗真言到底是什么意思呢？其实这九个字源于东晋葛洪的《抱朴子?登涉篇》，“临兵斗者，皆数组前行，常当视之，无所不辟”意思是说，常念这九个字，就可以辟除一切邪恶。在抄录这九个字时把“数、组、前、行”误抄成“阵、列、在、前”而没用至今。这九个字分别的意思是：临，代表身心稳定；兵，代表能量；斗，代表宇宙共鸣；者，代表复原；皆，代表危机感应；阵，代表感应或隐身；列，代表时空控制；在，代表对五元素的控制；前，代表光明
Otaku Otaku（オタク）是一个纯正的日语词，写成汉字就是“御?”，最初是指“您家”或者“贵府”，属于敬语。不过和汉语的“兄台”一样慢慢变成“贵样”（きさま）那样的蔑称了。同时也有一个引申含义便是对某样事务或者领域特别执着乃至狂热到封闭自己的人群。
不过关于这个词各种版本的解释都有，比较权威的定义来自著名评论家冈田斗司夫（Gainax公司元老之一，参与过《王立宇宙军》和《飞跃颠峰》的企画和剧本等工作）所蓍的《Otaku学入门》－－所谓的Otaku是在被称作“影像的世纪”的20世纪中产生的Newtype新人类，换句话说，就是在资讯的海洋中进化为对影像的感受格外敏感极端的新“人种”。
据说真正的Otaku要达到以下的几条要求：
首先，要对Anime和Comic（日本动画漫画）有绝对的狂热和深入的研究，并且自己本人不是专业人员只是将动漫当作业余爱好。
其次，要是一个考据癖和拥有很强的搜索参考资料的能力。动漫故事中所构建的背景以及细节已经越来越多的呈现跨领域和跨文化的趋势。一个合格的Otaku必须上知天文下晓地理，融会古今贯通中外。
第三，一个Otaku必须要有永不满足的上进心和自我表现欲。Otaku对动漫的热爱和理解也得能够通过社团以及同人志等渠道表现出来才对。
和国内动漫迷的印象相反，Otaku并不是一个会得到别人敬佩称赞的称谓。不过，似乎在动漫狂热刚刚起步的国内，Otaku大多数时候是和“发烧友”（Mania）等同的褒义词，被称作Otaku也成为了一种资历和能力的认可。
*日本动画的版式：
TV版：就是在电视上放的动画版本
OVA：Original Video Anime（原创影象动画），和TV相对，不在电视上放映，要看的话只能通过购买的方式。具体内容以后会作介绍。剧场版：动画的电影版本。
*音乐：
OST：Original Sound Track（原创音乐专集）。收录与某动画有关的音乐。 [OST：Original Sound Track（原声音乐专辑）]
OP：片头曲/主题曲
ED：片尾曲
*片头和片尾的部分字幕解释：
监督：等于中国人说的'导演'
脚本：写剧本的人，也叫故事构成
原作：这个要区别于'脚本'。日本的TV动画通常是由漫画，小说或者游戏……等改编的，漫画作者和动画的制作者通常是不同的（当然也有例外，比如宫崎骏的一些作品，GAINAX也经常是自己的原作自己制作成动画），因此有'原作'这一词。它指的就是原漫画/小说的作者。比如COWBOY BEBOP，原作是'矢立肇'。（关于矢立肇，看过梦总的朋友应该知道这个典故了，但目前看来还有很多人不知道，日后我会再作介绍）
CAST：声优，配音演员
STAFF：参与制作改动画的全体成员（一般的小虾小米都会包括进去）
制作：通常是指负责画该动画的公司，因为日本要制作一部动画通常是要N个部门/公司共同合作完成的，分工明确，有点像流水线操作。这个词也是需要大家关注的，一部动画的制作水准往往会受到制作单位的影响。有时甚至看看动画公司的名字也能知道这部片子值不值得收藏。
*圈内术语：（这个没有做仔细调查，似乎是只有国内发烧友中通用的词语） OTAKU：日语，原意为'御宅'。目前国内公认的意义是：容易沉浸在幻想世界中，欠缺正常社交生活经验的次文化族群，说的通俗点就是对动漫有着疯狂热情的一群人，举个例子（只能简单地提一下）：比如EVA的OTAKU能背得出每个使徒的中文，日文，英文名字，详细研究过《新约》《旧约》，熟悉犹太教，基督教和天主教的区别。关注GAINAX的一切活动……精通佛罗依得的理论……是邪教组织的成员……
王道：最近非常流行的一个词语。意思是'权威'，'真理'，'本尊'，'最重要的东西'。有套漫画就叫'王道之狗'。讲的似乎是和孙中山有关的事情~。恩……现在的社会，什么才是王道呢……？对于本站来说，也许目前的王道是……金钱。（实在是需要啊~~）
暴走：狂飙。GO MAD。症状通常是眼睛变色，行走呈爬行状。有时口冒白色气体……这要视情况而定。典型角色……EVA初号机……（众人：不要偏袒某人啊~）对了，如果遇上类似状况请迅速离开现场或者准备200个灭火器以防不测……
BT：变态的缩写
BL:BOY’S LOVE，男同性恋
GL：GIRL’S LOVE
SM：……这个本来不想说的，但有人问了也没办法。性质跟上面两项差不多，相关词语是'女王''鞭子'之类，不能再具体了。
LOLI（罗丽）：日语'幼女'的意思，指12岁以下的小女孩。LOLI也可以作为形容词使用，LOLI的标准在个人眼里可以有所不同，如果看上去觉得很小很可爱的就可以称她为LOLI，最典型的就是小叽了。
正太：和罗丽相同属性的词，专指12岁以下的小弟弟。 PK：原为'扑街'，看字面也知道什么意思了吧。本来指一种黑社会的仪式（扑倒在街上？），现在多为打架的意思。
残念：可惜的意思。引申词语有'碎碎念'……类似的自己也可以造。
收声：闭嘴。
XD：这个很需要大家的想象力哦~第一种解释：X代表M。下面不用我说了吧。第二种解释：一个表情符号。个人理解是'倒'或'晕'的意思。
口胡：语气词。相当于'靠！'之类的泄愤词语。也可以写成'口古月'（扩大化） KUSO：恶搞的意思。但是也可以用来发表感叹，在动画中常常能听到男主角说这个词，翻译常常是'可恶~！''***！'
874：动词……论坛上疯狂批判的行为，一般如果你会被874的话肯定是触犯了某位OTAKU高手或者精神病患者，建议先和这种论坛保持距离，提高自己的实力以后再去或者干脆不要去了。
素人/幼齿：就是看动漫有些年头（2-3年）自己有点开窍了但其实还懂的很少的人。不算贬义词。达人：看动漫不惜一切代价，总之实力很强的那种。
*动漫体裁： SF=SCIENCE FICTION科幻机械类的作品，如EVA*动漫作品的缩写：动漫发烧友之间常常用缩写代表自己熟悉的作品，缩写通常是能理解的，但也有些对于新人来说不是很熟悉，在此略举一二，以后逐渐补充。
FF：大家最熟悉的大概就是FF（FINAL FANTASY）系列了，FF系列本来是SQUARE公司的一个著名游戏，因为非常受欢迎所以有很多周边，比如游戏动画，OVA，电影等。但是最近使用FF的缩写则需要辨别一下了，因为《黑客帝国》系列也出品了一部动画短片名叫FINAL FLIGHT OF THE OSIRIS（欧西里司最后的飞翔），缩写同样是FF。该片导演和《FINAL FANTASY》的电影版是同一个人（安迪*琼斯），怪不得连名字都一样了。
M0=MACROSS ZERO（ZERO是零的意思，所以用'0'表示） ROD系列：目前出品的有两个作品，一个是READ OR DIE（OVA），中文名为'死亡的思考'；另一个是正在制作放映中的READ OR DREAM（TV），目前过内还没有D版。它们的缩写均为ROD
*OVA
首先解释一下什么是OVA
OVA=ORIGINAL VIDEO ANIMATION=原创动画录映带
OVA在日本动画历史里占了一个非常重要的地位，在各种动画资讯志让经常会看见她的踪影。能够作为OVA的作品在首次推出时必定是未曾在电视或戏院上映过，才能称作为OVA。当哪些在电视或戏院上映过的作品再推出的录映带/LD/VCD等等就不能称作OVA了。而OVA中的'V'亦泛指所有映带/LD/VCD/DVD媒体，并不是单单当作录映带。
卡通、动画与Anime
Anime就是アニメ的发音，也就是Anime的日语词。一般被称为“日式动画”。
对比美国卡通，日本动画有着相当大的区别，通常以“Anime”来区分日美“动画”。首先在观念上，日本动画面向各个年龄层的各类观众，并且是作为和真人电影同等级别的传达故事或是提供娱乐的手段。
大多数Anime都改编自漫画，作为连续剧情的作品，都是长篇的连贯剧情故事，包含着起承转合以及人物关系的发展，大大增加了可看性，读者必须不断的购买连载的杂志才能跟得上故事。
由于日本本身的传统文化――不管好人坏人，只要具备一种超凡的境界，都可以成神；行事好与坏以及如何行事都无所谓，重要的在于出类拔萃，在于超越尘俗；死亡是光荣的，特别是为了某种崇高的目的而死的影响，因此不少日本动画都没有很明确的“好”与“坏”的界限，一些角色经常在两边阵营转换，甚至有些角色可以是“亦正亦邪”，而有些角色“非正非邪”。有时一个角色转入“正义的阵营”，但是其思想和人品却是邪恶的，反之亦然。同样，在表现一场战争时，有可能交战双方都不是“正义”或都不是“邪恶”。也因此日本动画常常直接表现死亡本身，而在西方社会看来，死亡无论如何都应该被避免，而且已经在媒体中成为了一种禁忌。
日本动画得以流利的另一个主要因素在于其题材的广泛性，流浪武士、太空冒险、荒诞喜剧甚至肥皂剧都可以变成动画故事，而且并不仅仅局限于日常生活的恶搞，更多的是对于人类角色的描写和带领观众走入天马行空的幻想。
而大多数人所熟悉的“卡通”，则来自一个英语词“Cartoon”，也就是大多数人所理解的“动画”――其实更多的是指美国风格的动画片。
美国的卡通强项在于剧场版，无论是迪斯尼、梦工场还是华纳，所出的卡通大片在模式上继承了好莱坞式的大制作风格――简练但是具备丰富变化的线条、震撼的大场面，华丽的视听效果、名演员本意和老少皆宜的戏剧化情节。毫无疑问，在制作上美国的卡通是全世界最强的，特别是在特技的运用方面更是遥遥领先，这是由美国的特殊电影市场环境所决定的，具备一定的本土特性，正义与邪恶的斗争是不少美国卡通的主题，当然，正义必胜。美国卡通还有一个特点就是剧情的“片断化”，大致来说就是没有什么前后连贯性，单独成章。所以就算漏看了几话，或者是从中间开始看的话也不会有什么影响。
总的说来，美国的卡通主要面向儿童，宣扬犹太基督文件下的绝对正义邪恶之分，以及最终结局的“解决方法唯一”。剧情的片断化使得孩子们不必担心错过某一话而影响对故事的了解，而且不用为复杂的故事线索或者角色关系而费神，不少作品会故意的回避一些现实中的丑恶问题以保护孩子们。
而“动画”则是个很大的范畴。“Animation”涵盖了所有的动画模式。以大家日常所接触的日本动画来说，使用“Animation”并不合适，而是应该用一个更正确的日本人自造词――Anime，意为日式动画。
总的来说，美国的“卡通”多以剧场版的形式输出世界，而日本赖以打入国际市场的主要是电视动画，两者间的区别目前来说还是比较明显的
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