今天给各位分享音乐会小知识的知识，其中也会对听音乐会基本礼仪知识进行解释，如果能碰巧解决你现在面临的问题，别忘了关注本站，现在开始吧！
1.求有关交响乐团的有关知识
弦乐器（53人），木管乐器（16人），铜管乐器（12人），打击乐器（3~4人）。
弦乐器弦乐器是乐队中的乐队，可以以弦乐队的形式单独演出。弦乐队包括：小提琴分第一小提琴、第二小提琴两个声部。
前者常用来演奏乐曲中的主题。小提琴是弦乐器中音区最高、表现力十分丰富的乐器，温雅、深沉、激昂、刚毅兼而有之。
中提琴比小提琴稍大，音色稍暗，在柔和之中给人以晦涩之感，主要用于伴奏，担任弦乐合奏的中音部分，偶尔也独奏。大提琴比中提琴大，音乐优美，深厚，善于表达真挚、温暖的感情。
低音提琴体积最大，高度相当于人的身高，需要站着演奏，是弦乐队中音区最低的乐器，也是整个交响乐队的基础——最深沉的低音部，能使乐曲的节奏坚定、突出，音色低沉、昏浊。竖琴是用两手拨弦而演奏的古老乐器，音色明净、清澈，擅长演奏***，用来表现水波荡漾的意境。
木管乐器木管乐器是交响乐队中的另一个家族，其中每一个成员都具有十分丰富而多样的色彩。长笛音色晶莹，如银铃般清脆，既轻柔雅致又热情奔放，长笛既可以演奏快速活泼乐句，又可以演奏柔和优美的抒情性段落，并常常在标题性音乐中描绘各种自然景物，如流水、鸟鸣、风、雨、闪电等。
小提琴协奏曲《梁祝》开始的引子部分，就是用长笛来描绘江南水乡的鸟语花香、山光水色。短笛比长笛高一个八度，是交响乐队中音区最高的一种装饰性乐器，声音尖利，常用于描绘军队行进或狂风呼啸的场面。
双簧管音色明亮、清新，酷似牧笛，很容易使人联想到乡村景色，它善于表现温柔、真诚的感情。双簧管不仅能够出色地演奏抒情如歌、柔美动人的音乐段落，而且还能够表达那些诙谐怪诞、忧郁沉思的情绪。
有的音乐家甚至认为，双簧管所具有的纯朴和坦率是任何一件管弦乐器都无法表达的。在格里格的《培尔？金特》第一组曲的《晨曲》中我们即可听到精彩的双簧管独奏段落。
英国管音色比双簧管略暗，具有沉思冥想的意境，给人以忧郁、孤单之感。用来描画抚今追昔的感情最为传神。
单簧管是木管乐器组中音域最广、表现力最丰富、技巧性最辉煌的乐器之一，它既柔媚又热烈，其音响中的某些部分象双簧管那样温柔，象长笛那样清澈，同时又带有一种特有的忧郁，最善于表露人心中隐藏的深情。有一种低音单簧管，音色阴暗而略带神秘色彩。
大管是木管乐器组中的低音乐器，它的中音区音响浑厚，高音区与低音区音色有些暗哑，尤其是它的高音区，音色极富戏剧性，有“管弦乐队的小丑”的称谓，善于表现戏谑、嘲讽的情绪，幽默角色的扮演者常选择大管。比才歌剧《卡门》中第二幕间奏曲的主题，柴可夫斯基舞剧《天鹅糊》中的《四小天鹅舞》等都有大管演奏的精彩片段。
铜管乐器管弦乐队中的铜管乐器的力度超过了木管***乐器的总和，是在需要显示乐队威力时候不可缺少的乐器，一般包括圆号、小号、长号和大号。其中圆号是联系“铜”管与“木”管的纽带。
在交响乐队中，铜管乐器常常独立出现。铜管乐器组具有独特的个性。
在表现辉煌壮丽的、宏伟的、神圣的、热情奔放的情调的音乐中具有得天独厚的功用，同时也可以创造深沉、庄重、阴森、恐怖的气氛，有时也擅长抒情、歌颂、怀念、叙事性的音乐。圆号属于中音乐器，是最温柔、最富于诗意的铜管乐器，它的音色甜美、迷人，常能给听众带来一种温柔、眷恋之情。
圆号适宜演奏悠长如歌的旋律，也可以演奏宏伟壮观，甚至愤怒的呼号式的旋律，还适于表现严峻、肃穆的气氛或表现幽默、诙谐、怪诞的音乐形象。在一些标题性音乐中，常常用圆号描写自然景物，如日出、夜色、森林、江河、海洋等或模仿猎号、军号及远处的回声。
小号声音激越、响亮，具有金黄色般的色彩，善于表现战斗的召唤、军队的前进和胜利、凯旋的场面。在《查拉图斯特拉如是说》中它勾画出了一轮红日喷薄而出的壮丽景色。
长号的音色与小号有相似之处，都具有光辉明亮、强劲有力的音色，磅礴的气势与威严的力量。常被用于演奏那些雄壮、刚毅、奔放、壮丽、史诗般的旋律。
长号也可以描写庄严、肃穆、深沉、险恶的气氛。如小提琴协奏曲《梁祝》中间展开部中代表“封建势力”的主题，就是用长号来演奏的。
大号是铜管乐器组的最低音声部，声音森严、沉重，如夸张的使用，也能使人感到滑稽、可笑。穆索尔斯基在他的《荒山之夜》里，用大号、长号齐奏出阴森的音调，象征受妖魔祭奠的“黑暗之王”的形象。
打击乐器打击乐器是现代管弦乐队中重要的组成部分，在管弦乐队中，多半起着装饰和强化节奏的作用，用以强调或突出音乐的总体轮廓。按其音乐性能被分为两种类型，一种是有固定音高的，如定音鼓；另一种是无固定音高的，它们所发出的是一种能令人感到愉快和赋予某种事物以独特个性的噪音。
定音鼓，交响乐队通常使用一组（3~4个）不同音高的定音鼓，它们有丰富的力度变化。定音鼓经常用于整个乐队音响的渐强与渐弱，渐强时可以造成一种排山倒海的宏大气势；渐弱时则可由宏大的音响减弱为隐约可闻的一丝声音。
定音鼓的滚奏极富表现力，强奏时如远方的雷鸣震耳欲聋，弱奏时又。
2.交响乐都有哪些种类
交响乐概述交响乐（SYMPHONY）又称交响曲。
是采用大型管弦乐队演奏的鸣奏曲（奏鸣—交响套曲）。交响音乐主要是指交响曲、协奏曲、乐队组曲、序曲和交响诗五种体裁。
但其范畴也时常扩展到一些各具特色的管弦乐曲，如交响乐队演奏的幻想曲、随想曲、狂想曲、叙事曲、进行曲、变奏曲和舞曲等。此外，交响音乐还包括标题管弦乐曲。
1、一般介绍交响乐（SYMPHONY）又称交响曲。人们常把它比喻为“音乐王国的神圣殿堂”。
它是交响音乐中最具有代表意义的，也可以说，它是采用大型管弦乐队演奏的鸣奏曲（奏鸣—交响套曲）。交响音乐不是一种特定的体裁名称，而是一类器乐体裁的总称。
这类体裁的共同特征是： 1、由大型的管弦乐队演奏； 2、音乐内涵深刻，具有戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性，或者音乐格调庄重，具有叙事性、描写性、抒情性、风俗性等； 3、有较严谨的结构和丰富的表现手段。 2、发展历史法国大文豪罗曼-罗兰说：“艺术中没有进步的概念，因为不管我们回头看多远，都会发现前人已经达到了完美的境界……。
假如有人认为几个世纪的努力已经使我们进一步接近完美，那将是荒谬可笑的……。”交响音乐的起源可以追述到十分遥远的历史长河中。
它的名称源于古希腊，是当时“和音”和“和谐”两个词的总称。到了古罗马时期，它就演变成为泛指一切器乐合奏曲和重奏曲的代称。
15、16世纪，也就是欧洲的文艺复兴时期，交响乐这一名称被当作了一切和声性质的、多音响器乐曲的标志。而到了巴洛克音乐的初期，它又主要指歌剧、神剧和清唱剧等作品中的序曲及间奏曲。
18世纪初期，音乐艺术在欧洲得到了迅猛的发展，随着欧洲产业革命的进程，音乐艺术也开始逐步地走向平民化和社会化。在这个时期中，交响乐作为一种独立的艺术形式，其规模和形式都慢慢有了明确的含义。
当时的意大利歌剧序曲，以它特有的“快——慢——快”三个段落而成为了古典交响乐的基本雏形。到了18世纪中叶，德国曼海姆（德国南部的文化中心）乐派的作曲家们，以一系列积极而富有创新性的创作，使交响乐的基本形式得以进一步的完善。
1740年奥地利作曲家蒙恩（1717--1750），第一次在慢板乐章和快板乐章之间，加进了小步舞曲（注：法国一种三拍子的舞曲）乐章（第三乐章），这种四个乐章的套曲形式，渐渐演变成了古典交响曲的固定形式。四个乐章是这样布局的：第一乐章——奏鸣曲式（注：它是古典音乐作品的一种基本曲式，无论是奏鸣曲、交响曲、协奏曲和重奏曲中的重要乐章，都得用它。
）它包括三个部分：第一部分：（呈示部）有两个主题——正主题（第一主题）、副主题（第二主题），这两个主题往往形成强烈的对比。比如，正主题是冲突性的、戏剧性的，副主题可以是抒情性的、歌唱性的。
也有的奏鸣曲里面，这两个主题是相辅相成的，都是歌唱性的。第二部分：（展开部）就是把呈示部的主题进行不断地分裂、模进，在配器、节奏、力度和调性各个方面进行对比和展开。
第三部分：（再现部）再现呈示部的两个主题，调性上有严格的关系，比如在呈示部里，主部的主题是主调（C大调），副部的主题是属调（G大调），而在再现部里，副部的主题也要回到主调（C大调）上。奏鸣曲式通常开始有一个引子或者序奏，结束有尾声。
这样的曲式常常表现宏大的构思，反映深刻的哲理，当然也有非常强烈的抒情性和描写性。第二乐章——行板或慢板。
抒情的、以歌唱性音乐见长。第三乐章——小步舞曲。
它们是轻快、幽默、典雅和风趣的。第四乐章——终曲。
它通常是快板，经常采用回旋曲式（A+B+A+C+A）或者回旋奏鸣曲式。（所谓的回旋奏鸣曲式和奏鸣曲式不同的地方，就在于呈示部中主题出现两次，也就是主题——副题——主题，然后是展开部、再现部）我们刚刚讲的这种固定的形式，只是在古典交响乐时期，它是相对固定的。
但是也有特殊的例子，比如：海顿就写过六个乐章的交响曲。至于快、慢乐章之间的对比也会有变化，他写了一部“告别交响曲”，就是以慢板结束的。
至于乐章的多寡，作曲家们根据不同创作的要求，也有很多的变化，有三个乐章的，也有两个乐章的，如大家熟悉的贝多芬的“田园交响曲”就有五个乐章、还有肖斯塔科维奇的“第十四交响曲”，多达十一个乐章。因此，交响曲的乐章构成和快慢乐章的对比并不是一成不变的。
18世纪中后期，维也纳古典乐派的兴起及一些天才作曲家的伟大创作，使得交响乐这一艺术形式发展到了全面成熟的阶段。在这里我们首先提到的就是奥地利作曲家海顿。
他一生共创作了120多部交响乐。他在交响乐艺术上的贡献是——完整而严谨的确立了交响乐的形式和规模，因此，他曾被人们誉为“交响乐之父”。
他的艺术成就直接影响到了他的两位后人——莫扎特和贝多芬。而交响乐的形式、规模、内涵等等，都是在这后两位作曲家的创作中得到真正的成熟和完善的。
莫扎特一生创作了41部交响乐，他的交响乐较之海顿的交响乐不论是在形式的完整、内涵的丰富和思想的深刻等方面都有着大幅度的提高。他以其天才的神来之。
3.介绍一下有关交响乐的常识
1、交响乐队组成形式和形成过程
交响乐队的真正形成是在近几百年内，严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。在这之前，交响乐队的结构组成并不完善，还只是一些编制不全的管弦乐队。如在海顿和莫扎特的创作中，乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型乐队。交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到最终完善的。如在贝多芬交响乐的创作中，双管或三管编制的交响乐队得到了基本确定。后来，在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中，交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入，更加丰富了交响乐队的音响效果和艺术表现力。这些特征在***、理查-施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现的由为充分。
2、交响乐团的编制
交响乐团是音乐王国里的器乐大家族，一般来说它分为五个器乐组：弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组和色彩乐器组。下面分组介绍各种乐器（它们都是从高音到低音的乐器）：
弦乐组：小提琴、中提琴、大提琴、倍大提琴。
木管组：短笛、长笛、双簧管、英国管、单簧管、大管。
铜管组：小号、圆号、长号、低音号。
打击乐组：定音鼓、锣、镲、铃鼓、三角铁等。
色彩乐器组：钢琴、竖琴、木琴、铝板钟琴等。
对于一些特殊曲目，还会加入其它的一些乐器，像唢呐，喇叭，二胡等民族乐器
由于交响乐团采用了这么多的乐器编制，所以它有着非常丰富的表现力。交响乐队根据作品风格的需要，它又分为编制上的不同。如单管编制、双管编制、三管编制、四管编制等等。
发展历史
文艺复兴时期就有了交响乐这个说法，但当时的含义和现在完全不一样，当时的交响乐泛指的是一切多声部的音乐。其中包括了声乐和器乐。
到了16至17世纪，交响乐用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲，这时声乐已经排除在了交响乐的概念以外，“交响乐”从此成为了纯粹的器乐曲。
18世纪初，序曲和间奏曲开始脱离歌剧开始在音乐会上单独演奏。这对交响乐的发展起了重要的作用，意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中为序曲奠定了“快板-慢板-快板（舞曲风格）”的三段体式，给后来的交响乐的乐章格式建立了最基本的格式。
18世纪下半叶，德国的曼海姆乐派在序曲的创作中开创了主调音乐的手法，提高了乐器的表现能力和音乐的戏剧性，并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲，就形成了四乐章器乐套曲的雏形。
后来的三位音乐大师把古典交响乐发展到了最成熟的阶段，他们是海顿、莫扎特和贝多芬。这三位大师把维也纳乐派和古典主义发展到了颠峰的状态，也使得交响乐进入了自己的黄金时期。贝多芬更是把交响乐的内涵和思想性发展到了一个新的境界，现代意义上的交响乐概念就在这个时期形成了。
之后欧洲的浪漫主义作曲家们在继承了古典主义的精华后，将交响乐的内容、形、乐队编制，乃至于标题，都进行了不同程度的创新。在这个时期，交响乐的形式更为自由，色彩更加丰富，表现手法也更多种多样。
进入20世纪后，交响乐仍然在不停的发展着，越来越多的新元素添加到交响乐中。气势恢弘，感情细腻，表现力无限丰富的交响乐仍然拥有大量坚定的爱好者。
经典交响曲结构如下：
第一乐章：奏鸣曲式，快板
第二乐章：复三部曲式或变奏曲，慢板
第三乐章：小步舞曲或者谐谑曲，中、快板
第四乐章：奏鸣曲或回旋曲式，快板
演奏交响乐的乐团是交响乐团，每个国家乃至每个城市都以拥有一支水平精湛的交响乐团而感到自豪！
9月初，市民陶先生在琴台音乐厅观看音乐会时用手机拍照，有工作人员用激光笔对他进行照射提醒，他质疑：“这种提醒方式，会不会有些傲慢、不礼貌？”
琴台音乐厅工作人员介绍，目前，在全国范围内，大部分剧院、音乐厅都会选择激光笔照射这种方式来提醒违规观众。
“音乐厅是有着严肃礼仪的地方。”该工作人员说，观众从购票时起，就应该了解基本礼仪，包括提前熟悉演出内容、正装出席、不要迟到、安静倾听、不能带饮食入场，甚至如何鼓掌等都有着一定的讲究。
观众入场前，就会有专人进行提醒，音乐厅各个门口，都在显眼位置摆放着提示牌。演出前，广播也会进行相关提示。如果演出中还有一些不文明现象，用激光笔提醒其实是相对稳妥和委婉的。
希望大家观看时要遵守这些规定。
听音乐会基本礼仪知识
音乐会或演奏会，是指在观众前的现场表演，通常是音乐的表演。音乐可以是由单独的音乐人所表演或是音乐团体的集体演出，像是管弦乐团、合唱团等。下面由我为大家分享听音乐会基本礼仪知识，欢迎大家阅读浏览。
一、参加音乐会前的准备礼仪：
1、着装礼仪
关于参加音乐会的着装，国内外最普遍的情况是，男性着西装，女性着裙装、小礼服或晚礼服，穿着得宜不仅显示个人的素养，也是对演出者的尊重和礼貌，参加音乐会人员注意服装仪容的整洁，虽不用过度华丽，但最好避免牛仔裤，拖鞋或奇装异服的打扮。
2、饮食及身体礼仪
音乐会前不要吃喝太多让你频频上厕所的食物。也不要吃太撑让自己现场打嗝。更不要吃豆类食物，避免音乐会现场放屁。同时，如果嗓子不太好的听众，可以提前准备上一些润喉糖，保证不在音乐会中咳嗽。
3、提前进场，不迟到
音乐厅一般按区划分，音乐会开始前，根据进场票上的信息，提前找到指定的区、排、座位，为保证音乐的欣赏效果，迟到者必须到中场休息才能入场。所以，听音乐会者不要迟到。
绝大部分的音乐厅都一样，音乐厅中最好的.位子，就在音乐厅楼上后段的座位，因为声音会向上飘，传到远处刚好融合的最好，许多音乐厅的设计是前低后高，所以前排最贵的位置通常是低于演奏(唱)者的高度，所以声音都从这些人的头顶飘过，直接到后头顶端正好完美的融合在一起，再加上来自天花板的反射，坐在后排的听众彷佛坐在乐团旁边一般，更有身历其境的立体音响.而坐在最前端，舞台正前方，票价最贵的听众，则听到不平衡的音响效果，可能某个乐器声特别大，而另一个声则特别小，因此，音乐厅后座通常坐的是音乐系的学生以及真正的音乐行家。所以，不要觉得买最便宜的票不好意思，若是觉得距离太远，无法看清台上演奏的姿态，可以携带小型望远镜，保证看得非常清晰。
4、熟悉曲目
音乐会开场前，组会人员都会为欣赏人员提供本次音乐会的宣传单，提前到音乐厅时，可以先熟悉一下音乐会的曲目，同时，了解一下乐团和本次音乐会的指挥等详细资料。
5、现场拍照、摄像
很多初次进音乐厅者，都会在现场留下自己的倩影，这样的行为，仅限于在音乐会开始前，切记音乐会开始后根据组会者的要求，严禁拍照和摄像。
6、手机调整
音乐会前，必须将手机调整到震动或关闭状态，保证在听音乐会时不影响欣赏效果。
二、参加音乐会中的礼仪
1、鼓掌礼仪
演奏者进入现场时，应给予热烈的掌声;指挥者是待演奏人员调整好乐器后进场，这时也应给予热烈的掌声。
聆听曲目不熟悉的音乐会，最让人紧张的莫过于何时该拍手，大多数人认为应该要尊重乐曲的整体性，所以拍错手可能会影响到音乐的进行，也干扰到演奏者的演出情绪。有些乐团指挥，会在一个曲目结束后，转过身来向听众示意，这时，观众就该积极鼓掌。
在这里，提供大家一个小诀窍，若对何时该拍手没有把握，建议不妨多观察旁人，等别人先拍手再跟着拍，就不会出错啦!
2、不制造噪音
有些观赏者在入场前没有及时关闭自己的手机，当看到有服务人员举着“请勿拍照、摄像”银光提示牌在场内走动时，需要及时检查自己的电子产品。以免铃声响起引来众人对你怒目相视。
如果嗓子很痒，确实需要清一下嗓子时，请及时用润喉糖或用手捂着并尽量压低声音，如需多次清嗓子，建议到场外处理以免影响他人欣赏音乐。
3、不现场议论
有些“音乐行家”在一曲中或后忍不住与同伴交换意见，这样都是不雅的，不但影响周边人员而且也会影响演奏者。
4、不乱吼叫
有些“音乐行家”在听到兴奋时，会忍不住大吼一声“好”，虽然表达了自己的感受，但这样做并不合适，建议用掌声表达对音乐家们的致谢。
5、儿童的注意事项
有些家长带着自己的孩子一同参加音乐会，需要注意的是：家长事先要告诉孩子保持安静，音乐会场不像电影院，禁止喧哗不得在场内进食，更不可以在演出中吃爆米花或喝可乐。为让孩子看清楚乐器可准备望远镜，选择中断的位子。
三、参加音乐会后的礼仪
音乐会的指挥家在音乐结束后，一般会两次到前台谢幕，观赏者不要在乐团还未离开舞台就做出穿大衣，准备离开座位的举动，有甚者拿着包就冲出大门去抢的士，这样做是很不合适。
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